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Curso: Metodología de la Investigación Performativa Universidad Nacional de Costa Rica

PLAN DE TRABAJO

LEYSON PONCE


Introducción



El mecanismo semiótico de la representación se desarrolla en el espacio de lo visible, ahí se sitúan los significantes y los significados. Conviene, por tanto, no confundir el espacio oculto con el espacio significante, por un lado, cuando hablamos de representaciones pensamos en los productos representados, en las imágenes o escenas construidas, pero cuando aplicamos un enfoque teatral lo que se pone de manifiesto es el carácter procesual de este mecanismo, su funcionamiento interno, y es ahí donde hay que encontrar su sentido”[1].    


El papel del curso que lleva por título Metodología de la Investigación Performativa es aportar una visión general (teórica-práctica) sobre cómo se articula  la performatividad  en la composición coreográfica desde elementos físicos y conceptuales propios de cada participante en su ejercicio de ser vehículo de una expresión creadora y creativa de la cartografía conceptual de su experiencia y de su movimiento en la estructura del acontecimiento escénico. Para ello, el análisis del carácter procesual de la investigación en tanto sentido y performatividad se centrará en dos objetivos generales de una misma columna vertebral:

Identificar esa instancia no real producida en nuestro cerebro que hace del movimiento voluntario su conexión con lo inconsciente e involuntario.

Intentar detonar la teatralidad que revela el territorio de las emociones donde se plantea la dialéctica: del Ser emocional al Ser emocionante en la escena.


Desde esta perspectiva, el primer objetivo estará relacionado a la organización de un conjunto de ideas y conocimientos teóricos en función de las percepciones, perspectivas e interpretaciones que llevaremos a cabo con la investigación; y un segundo objetivo donde es necesario vivenciar esa poética (modo de hacer) propia de cada cuerpo, atendiendo su funcionamiento y su propia dramaturgia expresiva.
En esta poética o modo de hacer, se presenta en su punto de inicio la afirmación que viene dada de la integración de la historia de ese cuerpo que se interroga y el cuerpo de la historia que lo interviene; por lo que una crítica extensa y  una metodología con enfoque en una Estética de lo performativo[2] se explicará desde esa primera relación mente-cuerpo (pensar-mover-pensar) hasta su consecuencia preformativa en tanto análisis de un proceso abierto y de experiencia fenomenológica. Según Van Manen: “el método de la fenomenología es que no hay método”[3], por lo que en este sentido, intentaremos comprender  esa manera de hacer donde el cuerpo como eje mueve la configuración de un sentido que vuelve a la obra honesta con sentido y trascendente.  

Al cobrar más fuerza el cuerpo como organismo e instrumento de transformación de la realidad en la obra coreográfica, se hará necesaria una primera aproximación a lo que somos como sujetos en movimiento, y esto nos permitirá introducirnos en ese territorio del acontecimiento escénico. Por ello, el tema central versará siempre en el sentido de una superación estética donde se modula con suma sensibilidad la relación psico-física y la estructuración de las propuestas coreográficas. Interesa de sobremanera  ese espacio multisensorial donde tiene  origen la experiencia de danzar y que funciona como el umbral por donde la necesidad creativa se vinculada con una liberación de “energías enigmáticas” subyacentes a todo intérprete cuando identifica su cuerpo y su orgánica sabiduría que le es ignota fuera de la codificación pre-establecida del gesto y que denominaremos cuerpo entreabierto.  

[1] CORNAGO, Óscar. “¿Qué es la teatralidad? Paradigmas estéticos de la modernidad”. Telón de fondo. Revista de teoría y crítica teatral. No. 1, agosto. 2005, p.7.

[2] FISCHER-LICHTE. Erika. Estética de lo performativo. (trads. Diana González Martín; David Martínez Perucha). Madrid: Abada Editores, 2011.

[3] VAN MANEN,  Max. Investigación Educativa y Experiencia vivida. Ciencia humana para una pedagogía de la acción y de la sensibilidad. Barcelona: Idea Books, 2003, p.48.




Detalle de  la (s) actividad (es)

Dirigido a estudiantes y profesionales que estudien o trabajen el arte escénico ya sea desde la interpretación, dirección, dramaturgia o escenografía. El curso aborda el estudio sobre una poética del cuerpo y el modo en que se vincula estrechamente con el pensamiento desde postulados de las nuevas estéticas de lo performativo por lo que se requerirá de un ejercicio de crítica extenso y una metodología fenomenológica propia de la experiencia estética de lo preformativo del cuerpo en movimiento que será explicada desde esa primera relación con la danza (pensar y mover y pensar).


Objetivo General

Aportar una visión general sobre la investigación performativa del cuerpo y su expresión a través  del recorrido teórico y práctico donde acontece la danza u otras artes escénicas. De este modo, proporcionaremos, identificaremos y  analizaremos  la afirmación de un modo de hacer o  poética del cuerpo en el complejo tramado de un discurso donde configuraremos una metodología propia de la experiencia como acontecimiento escénico. Para ello, dos objetivos centrales serán necesarios: Organizar un conjunto de ideas y conocimientos teóricos en función de las percepciones, perspectivas e interpretaciones que llevaremos a cabo con la investigación, así como, vivenciar  para extraer propuestas o (modos de hacer) propias de cada cuerpo en su ámbito de confluencias.

Objetivos específicos Descripción de Actividades
Participantes   Fechas Horario Lugar

Ofrecer una formación avanzada y puntual de carácter interdisciplinario sobre el cuerpo y la escena .
Formar a investigadores de la composición coreográfica en el análisis de los procesos preformativos de obras vinculadas a la experiencia de vida, cuerpo e historia del participante    
1- Metodología de la investigación performativa.
2- Pensar con Mover
3- El paradigma de la subjetividad en la metáfora del mito de Narciso como desdoblamiento del cuerpo en la escena
4- Técnica y creatividad
5- Expresionismo como danza de los sentidos
6- La poética del cuerpo entreabierto
7- Estética de lo performativo  
Estudiantes del CIDEA de 09/11/2019  al 30/11/2019 Lunes a viernes de 8:00 a 11:30 am     Escuela de Danza










Experimentar competencias relacionadas con una fenomenología de la práctica performativa













Crear un trabajo coreográfico con el producto de la investigación performativa

Establecer procesos objetivos de documentación.
Saber entrecruzar metodologías diversas con coherencia.
Desarrollar  trabajos enmarcados en procesos concretos que den respuestas a problemas y exigencias concretos esbozados en alguna lectura y video donde el discurso del cuerpo promueva ideas Desarrollar sensibilidad para comprender los valores signicos, percepciones y dinámicas de recepción contenidos en la simbología de los discursos escénicos.
Identificar las posibles y variadas percepciones de la realidad fomentado por la ejecución de la práctica artística teatral desde una perspectiva personal, crítica y actualizada, argumentando el conocimiento teórico-práctico avanzado de los lenguajes artísticos (performativos, dramaturgicos), bien sea de forma unilateral o transversal, abordando en cada caso los aspectos: teóricos, conceptuales, procesuales, comunicativos e interpretativos de la obra en general.  








Llevar a cabo en el proceso, el registro creativo de las pautas que se proponen como estudio del cuerpo entreabierto y sus implicaciones en 2 partes IDENTIFICACIÓN DEL CUERPO Y ORÍGENES DEL MOVIMIENTO EN EL ESPACIO Y TIEMPO DEFINIDO: IMÁGENES Y  MEMORIA CORPORAL PROFUNDIZACIÓN DE LAS ACCIONES A TRAVÉS DE CONSTRUCCIÓN DRAMATURGICA DE UNA SECUENCIA CORPORAL Y SU TRANSFERENCIA A OTRO CUERPO: LAS INVASIONES CORPORALES
Estudiantes del CIDEA      


Competencias

  Ser capaz de diferenciar y discutir conceptos que dan cuenta de las transformaciones del cuerpo, el movimiento y la escena Ser capaz de observar y analizar las relaciones que se producen en los diferentes ámbitos del acontecimiento preformativo Ser capaz de aplicar técnicas de investigación en arás de trabajar con metodologías propia de la experiencia del cuerpo en movimiento Ser capaz de recolectar datos o fuentes que nutran el proceso creativo  

Justificación

El presente curso ha sido elaborado desde la concepción del aprendizaje teórico/práctico con enfoque metodológico estético performativo donde se implementan estrategias de percepción, interpretación y perspectivas dirigidas a intérpretes en las artes escénicas y sus vertientes.
Bien sabemos lo complejo que es concienciar la creación en movimiento, pero desde el cuerpo que tenemos al cuerpo que somos: hay puentes tangibles, para escribir una historia de la liberación del gesto y de las significaciones que hacemos de el en buesqueda de sentido y acontecimiento escénico.

Será un proceso de enseñanza/aprendizaje enfocado en la experimentación psico-física; a su vez, plantearemos la necesidad de dialogar escénicamente desde los fundamentos de una estética de lo performativo, concienciando todo el proceso creativo como una vivencia propia, autónoma y cónsona con las respuestas que interactúan desde lo individual y lo grupal en tanto transformaciones psíquicas y corporales. Resaltando siempre la naturaleza sensible de cada participante y la confianza generada como proceso de una identificación consigo y el entorno, apuntararemos a nuestros objetivos específicos para vivenciar un recorrido didáctico que nos vuelva objetos y sujetos de nuestros procesos personales.


Bibliografía esencial propuesta

                A grandes rasgos, consideramos que sobre la poética y la performatividad destacan los trabajos de Laurence Louppe, Poética de la danza contemporánea[2], que presenta un estudio profundo sobre la poética en la necesidad de una exposición que atiende más al sentido de la obra coreográfica, valiéndonos especialmente los apartados sobre las razones de una poética, el cuerpo como poética y memoria e identidad. De igual manera, el de Erika Fisher-Lichte, Estética de lo performativo[3], donde plantea la performatividad como el territorio donde la obra debe conmover de manera activa entre todos los co-participes que la conforman y lo explica desde una relación presencial para vivirse como experiencia de cambio, volviéndose así la obra, una exposición que desmonta el tradicional concepto de teatralidad para sustituirlo desde uno de sus fundamentos centrados en el teatro experimental, que es el que nos interesa, la manera de accionar donde encontramos afinidad con la experimentación y la performatividad.

            Siendo fiel a la idea de estudios que parten del seno de creadores de la danza, no podemos dejar de reseñar también de Mary Wigman, El lenguaje de la danza[4], que resalta a manera de diario, un interesante tratado sobre el ejercicio del creador. De forma más científica, Rudolf Laban, y El dominio del movimiento[5], texto que nos permite, por paradójico, comprender desde el análisis del movimiento el ejercicio de la improvisación como estrategia de trabajo y de mucha importancia en la danza; y decimos paradójico porque esta actividad está usualmente más asociada a la nueva danza en Estados Unidos. Estos textos de cabecera responden directamente a las claves que seguimos como investigación y que siempre se irán sumando otras nuevas: cuerpo, rebeldía, cientificidad, imaginarios, performatividad y poética, siempre del cuerpo y la danza.


[1] CORNAGO, Óscar. “¿Qué es la teatralidad? Paradigmas estéticos de la modernidad”. Telón de fondo. Revista de teoría y crítica teatral. No. 1, agosto. 2005, p.7.

[2] LOUPPE, Laurence. Poética de la danza contemporánea. (trad. Antonio Fernández Lera). Salamanca: Ediciones Universidad de Salamanca, 2011.

[3] FISCHER-LICHTE. Erika. Estética de lo performativo. (trads. Diana González Martín; David Martínez Perucha). Madrid: Abada Editores, 2011.

[4] WIGMAN, Mary. El lenguaje de la danza. (trad, Carlos Muria Vila). Barcelona: Ediciones Del Aguazul, 2002.

[5] LABAN, Rudolf. El dominio del movimiento. (trad. Jorge Bonso). Madrid: Editorial Fundamentos, 1987.

Bibliografía: Se suministra online en PDF a los participantes . Algunas recomendaciones

BARDET, Marie. Pensar con mover, un encuentro entre danza y filosofía. (trad. Pablo Ires). Buenos Aires: Captus, 2012.

CORNAGO BERNAL, Óscar. Pensar la teatralidad. Miguel Romero Esteo y las estéticas de la modernidad. Madrid: Editorial Fundamentos, 2003.

HEATHFIELD, Adrián. “Dramaturgia sin dramaturgo”. En: Repensar la dramaturgia. Errancia y transformación. BELLISCO, Manuel; CIFUENTES, María José y ÉCIJA,  Amparo. (eds.). Murcia: Centro Párraga, 2011.

MACIAS, Zulai. El poder silencioso de la experiencia corporal en la danza contemporánea. Bilbao: Artezblai Editorial, 2009.

VAN MANEN,  Max. Investigación Educativa y Experiencia vivida. Ciencia humana para una pedagogía de la acción y de la sensibilidad. Barcelona: Idea Books, 2003

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